過日、池袋文芸坐のオールナイトで観た日本の学園アイドル・ホラーの三本立てはいろんなことを思わせて興味深かった。
｢これほどの日本映画ができるというのは、新しいジャンルが形成され全盛期を迎えたように思えるが、じつは日本映画の製作形態がまったく機能せずに瓦解していることを示している例ではないだろうか。これからもこのジャンルは定着するのだろうか｣
　この疑問をいままで観てきた「和ホラー映画｣に則して考えてみた。
 

　まずはその三本ですが、
　　　■『いきすだま　生霊』　　 (2001　東映ビデオ) 　http://www.toei-video.co.jp/home/flm/ikisudama.html
　　　■『死びとの恋わずらい』　(2001　アートポート) 　http://www.emovie.ne.jp/movie/shibito/
　　　■『富江　re-birth』　　　 　(2001　大映) 　　　　　　http://www.daiei.tokuma.com/tomie/html/index1.html
　ちなみに『案山子　KAKASHI』は見逃しました。
 
 

■『いきすだま　生霊』

　製作には、東映セントラルが絡んでいた。最近では『うずまき』などの製作。謂わずと知れたVシネの元祖。

　監督池田敏春は、日活ロマンポルノで『赤い教室』、ディレクターズ・カンパニー時代に『人魚伝説』といっても知らない人が多いと思う。どちらかというと、宮崎勤事件の前の第一次ホラービデオ・ブームの時に、『ギニー・ピック』、『オール・ナイト・ロング』シリーズと並んで、ブームを決定付けた『死霊の罠』で記憶されている。あの当時の評価からすれば、質が高くなかったホラービデオの現場に、若手映画監督が入った最初の例だったと記憶している。まあ、あの事件の影響があるにせよ、いまも残っているのは、『死霊の罠』くらいだろう。

　役者は、三輪ひとみ、明日美姉妹と、アイドル兄弟バンドDOGGYBAGの松尾兄弟。

　原作はささやななえこのマンガ。

　ストーリーは、オムニバス二本立てで、それぞれドッペルゲンガーものとポルターガイストもの。そこに高校生である彼らが絡む中篇。

■『死びとの恋わずらい』

　製作のアートポートは香港映画の配給などしている会社だと思ったけど。

　監督の渋谷和行は、福山雅治やGLAYのPVを撮っているということで、初映画。

　出演は、後藤理沙、松田龍平、母親役に秋吉久美子。三輪姉妹も出ています。

　原作は伊藤潤ニ

　高校の転校生が幼馴染と出会い、その周辺で起こる恋占いの伝説をめぐる事件に巻き込まれる。

■『富江　re-birth』

　清水祟は、ビデオ作品『呪怨』で、誰とも違うホラーを撮り上げた若手監督。

　出演は、酒井美紀、遠藤久美子、妻夫木聡。

　原作は伊藤潤ニ。

　菅野美穂、宝生舞に続く第三作。殺しても死なない富江にみんな狂っていく話。

　さて、どこからはじめるか。いうまでもなく、これらの作品は映画館で観るためというよりは、ビデオで売るために作られたことは確かだ。したがって予算もシビアであることがわかる。
　撮影シーンやSFXの量からみても、予算の順では、『死びとの恋わずらい』＞『富江　re-birth』＞『いきすだま　生霊』　と思われる。(それに、役者のグレードも併せてるとね)
　音響も同様にみると、『いきすだま　生霊』は、全編アフレコで、音響もモノラル。『死びとの恋わずらい』では、同録、ドルビーステレオだった。『富江　re-birth』は同録だけど、ドルビーステレオじゃなかった。
　これらの差をどう乗り越えるかが、映画の質を決定するので興味深いところなのだけど、ひとつひとつみていくと、
 

　『いきすだま　生霊』
　フジフィルムを使い、フィルターワークとラボの処理で全体の色を押さえ、モノトーンに近くして、現実感を微妙に無くしている。これは、撮影条件が悪いときに天候を統一する苦肉の策でもあるのだけど。池田のような映画育ちだと、間を持たせるために、カメラの回り込みなどが多くなる。下手な役者の演技を持たせるときや、時間経過を稼ぐためによく使われるが、いまやテレビドラマの定番のカメラの動きなので、観ている方が予感してしまって、古く感じて間が持っていない。恐怖演出も、SFXが限られているので、血みどろシーン等控えめだ。重厚な音で驚かせる方法が、『リング』、『CURE』で確立してしまった今では、物足りない使い方になっている。
　ドラマの構成が一直線で、恐怖以外の情緒を排除している。いわば身も蓋も無い話ってやつです。中篇二本立てなので、各々それなりの緊張感が出ている。これ以上時間を長くするには、もうワンアイディアが必要なため適当な長さだ。
 

『死びとの恋わずらい』
　AV機能に力を入れるところからはじまっている。コダックフィルムで発色を良くして、ライトの当て方もポートレイトを撮るかのように背景から浮き上がるようにしている。音響のミキシングが、コンサートのように派手なだけでメリハリがないので、却って印象に残らない。あと同時録音で音がこもっている部分があるのは、録音技術の無さ。劇伴音楽もひとつしかなく、どんな場面でも同じ曲が使われるので、怖いシーンも興ざめする。
　しかしながら、問題なのは、なぜPVやテレビ出身の新人監督は高校生ものを撮ろうとすると、みんな大林宣彦になっちゃうんだろうか。この作品では、田舎の水郷と古い建物があるコジャレタ町が、千葉県佐原市にロケされている(ここは『月光の囁き』でも使われている)。『うずまき』では、長野県上田市でロケされたりと、大林の尾道状態になっている。それでなぜか自転車二人乗りのシーンが必ずある。また主人公の家も和洋折衷の住宅だったりする。なんか地方都市出身のルサンチマンが感じられるんだよね。というか、映画で一番大切なものはイメージなハズなんだけど、それをパクってきてなんとも思わない感覚が、PV、テレビ出身って思ってしまう。演出や編集の下手なところは置いとくが、勘違いしてんじゃないか。
　まあ、タレントをきれいに撮ることだけはほめられるけど、役者としては扱いきれてないね。後藤理沙はオブジェ同様だ。三輪明日美が芸達者なのには驚いた。そういえば『いきすだま　生霊』でも良かった。わかりやすくいえば、小林聡美クラスのうまさだ。
　SFXというか、CGI合成シーンがいきなりビデオ画面になるのには参った。合成の失敗だろうか、効果だと言われてもうまくいってないと思う。

『富江　re-birth』
　ビデオしか撮っていないのに大抜擢だと思うが、そのフットワークが和ホラーを支えているのだとも思う。こんなに誰にも似ていない映画を作る人は久々の登場だ。正統派の作り手でありながら、『発狂する唇』の佐々木浩久、『リング0』の鶴田法男、また黒沢清や脚本家の高橋洋などには影響されながらも、独自の作品になっている。
　どこが良いのかというと、基本的にアクションのつながりで物語を進めていくことに、ちゃんと神経を使って演出していることと、カメラの置く位置や動きが的確であって、長回しだと気づかない。これは巧みな職人芸に近い。室内の役者の動きとか、美術、小道具なども全然手を抜いていないのでリアリティがある。それでいながら、｢これは映画です｣という逃げ方はしない。まだ稚拙な部分もあるけど、上手な監督になりますよ。
　ただ、自然光による撮影がいまひとつで画面が暗く見えない。ロングショットの使い方など、そこら辺、黒沢清の影響がいくらかあると思うのだけど、抜け出て欲しい。音楽もゲーリー芦屋なので、全然問題は無い。それを使いきっている。『呪怨』のときも感じたけど、階段の撮り方が滅茶苦茶上手い。どこがって指摘するのはむずかしいんだけどな。
　題材が人間心理を生かし切れないので、説得力があるものにはならないが、『富江2』と比べたら、基本的には同じ話なはずのに、最後まで観せる力が全然違う(富江はジェイソンと同じ役回りだから)。ホラーの人物のテンションは現実とは別物なのでわからないけれど、たとえば他の題材でも撮れるのかと言うと、個人的なこだわりの部分が見えないのが、ちょっと気になる。
 

　いまこのジャンルでは、高橋洋ラインと、伊藤潤ニマンガラインがあるような気がする。そこから派生するのが、海外ホラーを演出の基とする路線。黒沢清、中田秀男、鶴田法男ら。手本に忠実になろうとするあまり、怖くなくなっちゃったり、パロディーにしかならなかったりして来ている節はあるが。
　もうひとつは借り物路線で、原作マンガのイメージや大林宣彦の身近なところから持って来る、自称＜映像派＞。海外の技術動向には詳しいが、自分の語るべき映像言語を持っていない。プロモーションビデオ、CM、TV出身に多い。
　こういうのってバブルの頃の異業種監督と同じで、他分野からのセンスをいれて違うのを作りたくて依頼するのだけど、逆にガチガチに真面目でどこかでみた映画が出来上がった例に似ている。

　では、これらが多様性としてジャンルを形成しているといえるのか。たとえばピンク映画のように絡みがあれば、あとはどのようなドラマの展開をしてもよいという、自由度とは違い、この「和ホラー｣は、制約がありすぎて、端的に言えば｢恐怖の感情｣以外を、納得いくように描くことはものすごくむずかしいことだと思う。そこに更に、ストーリーテリングや作者の想い(特質)を乗せることは困難だ。だから未だ持って、恐怖の不条理さは表現できても、人間の不条理さまでを描けている作品はない。
　しかも、予算が無くても恐怖だけで、ヒット映画ができることを示してしまった『リング』以降、新人の起用は定番になっている。登竜門としてのこのジャンルで要求されるのは、突き詰めると「映像の表現」のみになってしまう。｢映像表現｣ではない。職人芸としての映画の語り方ではなく、作家芸としての映像の造型を求められるのだ。
　映画監督個人に求められるのは、もはや映画として成立しているかではなく、映像商品として特徴（売り）があるかということなのだ。そこには映画が物語を楽しむものではなく、シーンと映像を楽しむものへと、観客の巷にあふれる映像への理解の仕方が変わってしまった背景がある。
　他映像業出身(CM、PV、TV)監督が求められるのも、その流れだろう。しかしながら、彼らの映像に物語や感情の流れをねじ伏せるだけの力量は無いのも現状だろう。ただ彼らの持ち込む映像表現の水準については受け入れるところは大いにある。いつまでも旧来の映画表現技術(いわゆる邦画の貧乏臭さ)ではだれもが古臭く感じて見ないということを忘れてはならないだろう。
　そのなかで、映画としてのエンターテインメントを表現できる人物(プロデューサー、脚本家、監督)を探すとともに、いまの映像技術を使いこなす人物からも刺激を受けていく幅と多様性を持つことが、商業的に大きな流れとしての｢和ホラー｣として、世界的に生き残れる方法ではないだろうか。